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Las Tres Gracias, Louvre



Charites

En la mitología griega, un Charis (/ ˈ k eɪ r ɪ s / Griego: Χάρις, pronunciado [kʰáris]) o Gracia es una de las tres o más diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana, la buena voluntad y la fertilidad, conocidas juntas como la Charites / ˈ k ær ɪ t iː z / (Χάριτες [kʰáritɛs]) o Gracias. [1] La lista habitual, como se da en Hesíodo, es Aglaea ("Resplandor"), Euphrosyne ("Alegría") y Thalia ("Florecimiento"). [2] [1] Hesíodo afirma que Aglaea es la más joven de este grupo y la esposa de Hefesto. [3] En la mitología romana se les conocía como los Gratiae, las "Gracias". En algunas variantes, Charis era una de las Charites, que se equiparó con Aglaea en lugar de una forma singular del nombre, ya que a ella también se la conoce como la esposa de Hefesto. [4]

Los Charites solían considerarse las hijas de Zeus y Oceanid Eurynome. [2] En raras ocasiones, se decía que eran hijas de Dionysus y Kronois o de Helios y la náyade Aegle. [5] [6] Otros posibles nombres de su madre por Zeus son Eurydome, Eurymedousa o Euanthe. [7] Homer los identificó como parte del séquito de Afrodita. Los Charites también se asociaron con el inframundo griego y los misterios de Eleusis.

En pintura y escultura, las tres Caritas o Gracias a menudo se representan desnudas o casi desnudas, sin embargo, durante los períodos arcaico y clásico de Grecia, se las representaba típicamente completamente vestidas. [1]


Borghese en el Louvre

Es curioso cómo surgen estas publicaciones. Debido a la última publicación que concluye el Tres gracias serie, he tenido la Colección Borghese en el Louvre en mi mente. Sin embargo, hay tantos lugares para comenzar con este tema y tantos caminos a los que desviarse. Una relación inestable entre Italia y Francia es ciertamente una (piense en la Campaña italiana de 1796-7, donde Napoleón se dio a conocer), al igual que la colección real de 695 * antigüedades increíbles (el Hermafrodita Durmiente, el Gladiador de Borghese, las Tres Gracias, para nombrar unos pocos). La forma en que estas antigüedades llegaron al Louvre es digna de una gran parte del tomo de dos volúmenes de Marie-Lou Fabréga-Dubert "La Colección Borghese au Musée Napoléon, ”Publicado conjuntamente en 2009 por Musée du Louvre Editions y la rama editorial del Beaux-Art de Paris. los Los Tiempos de la Ciudad Nueva York lo revisé favorablemente aquí, y como con cualquier buena revisión, el Veces proporciona grandes bocados del libro.

Luego están las personalidades: a Napoleón nunca le ha faltado contar la historia con anécdotas, su cuñado, el príncipe Camillo Borghese de la nobleza romana, es por supuesto la fuente de la colección y luego está la hermana de Napoleón y la esposa de Camillo, Pauline, cuyos hábitos lascivos ya estaban bien establecidos en su primer matrimonio con el general Leclerc (creo que se le atribuyó “promiscuidad bacanal” cuando estuvo en Haití con el general Leclerc).

Y, por supuesto, no podemos pasar por alto a los personajes secundarios, menores en la historia, pero con alas enteras y patios nombrados en su honor, supongo que "menor" es relativo. Dominique-Vivant Denon (Director de Museos Imperiales) y Ennio Quirino Visconti ("supervisor" de Antigüedades Romanas en el Musée Napoléon - lo que ahora es el Louvre), fueron responsables de la gigantesca tarea de llevar las antigüedades de Roma a París - no es fácil hazaña cuando los británicos tenían un embargo en el Mediterráneo que obligaba a los franceses a viajar por tierra. Denon, Sully y Richelieu ciertamente tendrán sus publicaciones de THATLou en un momento u otro (en lo que respecta tanto a las alas como a los coloridos personajes de la historia francesa). En una de mis primeras publicaciones escribí sobre el patio de Visconti, que está a punto de estar en la prensa cuando se abra la nueva ala islámica en septiembre (supuestamente, la apertura se pospuso unos años).

PD: Parece que no puedo llegar al fondo de cuántas antigüedades compró Napoleón (mmm, lo siento, me refiero al Estado francés) a Borghese. Wikipedia, que por supuesto no es de fiar, dice que tiene 344 antigüedades. Una cifra que he visto en otras fuentes buscadas en Google (que quizás usaron wikipedia). Al dirigirse al Borghese Kylix, el sitio web del Louvre dice que Napoleón compró la colección completa de Borghese, lo cual, por supuesto, no puede ser correcto, ya que hay un pequeño museo con solo algunos Berninis en la colina Pincian en Roma llamado Villa Borghese (fotografiado arriba, donde Denon y Visconti inició su proceso de envío). Así que, aunque no he leído a Mme. Los 2 volúmenes de Fabréga-Dubert, he optado por ir con su figura de 695 piezas. Si no hay duda porque soy de Nueva York y confío en los editores de la Veces para al menos citarla correctamente.

Información adicional de Galleria Borghese:

HORARIO: abierto de martes a domingo, de 8:30 a 7:30 p. M.

DIRECCIÓN: Piazzale del Museo Borghese, 00197 Roma (en medio del gran parque, Villa Borghese)

Recomendación de THATMuse: compre boletos en línea, antes de ir (a menudo se pueden agotar ya que es uno de los mejores museos de Roma, ¡con Bernini, Caravaggio, Canova y muchos!)


Las Tres Gracias de Antonio Canova

Considerada internacionalmente como una obra maestra de la escultura neoclásica europea, Las Tres Gracias fue tallada en Roma por Antonio Canova (1757-1822) entre 1815 y 1817 para un coleccionista inglés. Este grupo de tres hermanas mitológicas era de hecho una segunda versión de un original, una encargada por Joséphine de Beauharnais, primera esposa de Napoleón Bonaparte.

Las Tres Gracias, escultura, Antonio Canova, 1814-17, Italia. Museo no. A.4-1994. © Victoria and Albert Museum, Londres

Tomando su motivo de la literatura griega antigua, Las tres gracias representa a las tres hijas de Zeus, cada una de las cuales se describe como capaz de otorgar un don particular a la humanidad: (de izquierda a derecha) Euphrosyne (alegría), Aglaia (elegancia) y Thalia (juventud y belleza). La primera versión de esta pieza fue encargada por una de las mujeres más famosas de la época, Joséphine de Beauharnais, que para entonces era la primera esposa divorciada de Napoleón. En mayo de 1814, antes de que Antonio Canova terminara la escultura, De Beauharnais murió. John Russell, el sexto duque de Bedford, visitó el estudio de Canova en Roma en diciembre de ese año y, impresionado por el arte de Las tres gracias, le dijo a Canova que quería adquirir el mármol terminado. El hijo de De Beauharnais, el príncipe Eugenio de Beauharnais, también quería comprar el grupo que su madre había encargado, por lo que Canova se ofreció a hacer del duque de Bedford una "réplica con modificaciones".

Poco después de aceptar esta oferta, en enero de 1815, el duque le escribió al artista diciendo:

Francamente declaro que no he visto nada en la escultura antigua o moderna que me haya dado más placer ... Dejo las variaciones en el grupo ... completamente a su juicio, pero espero que la verdadera gracia que distingue tan particularmente a esta obra se conserve por completo. .

Las Tres Gracias (detalle), escultura, Antonio Canova, 1814-17, Italia. Museo no. A.4-1994. © Victoria and Albert Museum, Londres

Para la segunda versión de la pieza (que aparentemente prefirió el propio Canova), se cambió el material de mármol veteado a blanco, el pilar de cuadrado a redondo, y la figura central (Aglaia) recibió una cintura ligeramente más ancha. La escultura terminada se entregó a la casa del duque de Bedford, Woburn Abbey, en 1817 (el original se encuentra ahora en el Hermitage, en San Petersburgo). El duque celebró con entusiasmo su nueva adquisición y pronto se convirtió en una de las esculturas europeas más famosas de su época. En un catálogo de los mármoles de su colección, el duque describió Las tres gracias como "una obra de consumada habilidad sin duda insuperable por cualquier muestra moderna del arte de la escultura", y señaló "la morbidezza, - esa mirada de suavidad viva que se da a la superficie del mármol, que parece como si cedería al tacto ".

Las Tres Gracias (detalles), escultura, Antonio Canova, 1814-17, Italia. Museo no. A.4-1994. © Victoria and Albert Museum, Londres

En Woburn Abbey, la escultura de Canova se exhibió en el Templo de las Gracias, una rotonda iluminada especialmente diseñada para ella por el arquitecto de moda Jeffrey Wyatville, que estaba en el extremo oeste de la galería de esculturas existente. En una visita que Canova hizo a Woburn en 1815, antes de que se construyera este nuevo espacio, el propio escultor aparentemente había aconsejado sobre la posición y la iluminación correctas para su obra. Las tres gracias se colocó sobre lo que se pensaba que era un antiguo pedestal de mármol (de hecho, databa del siglo XVIII), de tal manera que se podía girar, permitiendo al espectador disfrutar fácilmente de múltiples miradores. En su casa especialmente diseñada, la pieza estaba rodeada por las numerosas y destacadas esculturas antiguas de la colección del Duque, así como obras de escultores británicos contemporáneos, en particular Joseph Nollekens, Francis Chantrey y Richard Westmacott.

Las Tres Gracias (detalle), escultura, Antonio Canova, 1814-17, Italia. Museo no. A.4-1994. © Victoria and Albert Museum, Londres

Canova es ahora ampliamente reconocido como uno de los más grandes artistas europeos de su época, pero desde mediados del siglo XIX en adelante su reputación se deterioró, en parte debido a lo que se consideraba la relación problemática entre su obra y la escultura antigua. El gran erudito alemán Gustav Waagen comentó severamente sobre los Tres gracias en su extenso estudio de obras de arte en colecciones británicas de 1854: "Pero por muy atractivo que sea el acabado tierno y magistral del deslumbrante mármol blanco, el carácter bonito pero insípido de las cabezas no puede satisfacer un gusto familiar con lo antiguo".


Belleza y baile n. ° 8217

Niki de Saint Phalle, Les Trois Graces, 1999, New York Avenue, Washington

Como podemos ver, los ideales de belleza femenina siempre han existido y seguirán existiendo. Criticarlos o hacer la vista gorda puede no ser el mejor enfoque. Si miramos el arte, encontramos un método útil. Niki de Saint Phalle retomó el tema de la Tres Gracias, que representa a un grupo de tres mujeres coloridas diferentes. Están juntos pero también se defienden a sí mismos. Sus cuerpos son voluminosos pero, sin embargo, sus movimientos son elegantes. Parecen bailar y ser felices. Aquí vemos lo opuesto al Tres gracias del pasado: mujeres individuales, bailando para sí mismas, celebrando sus diversas formas de belleza.

¿Cómo deberíamos vernos ?, podríamos preguntarnos de vez en cuando. Aquí está la respuesta: tal como somos, y nunca te olvides de bailar para esto, un baile en celebración de la propia belleza que no es juzgado por nadie más que por nosotros mismos.

Katharina tiene un doctorado en Historia del Arte. En sus estudios se concentró en las mujeres y el arte. Ahora le gusta mucho la combinación de mujeres, niños y arte. Su hija de casi tres años tiene una gran influencia en esto. Katharina nunca antes había estado tan a menudo en museos como con ella. Además, Katharina está escribiendo en su blog ArtStories.

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Las Tres Gracias, Louvre - Historia

Rafael y # 8217s Tres gracias muestra las tres gracias del mito griego y romano. Aglaea, Euphrosyne y Thalia bailan juntas en un prado. En una mano, cada uno sostiene una manzana, posiblemente las manzanas doradas del Jardín de las Hespérides. Sus otras manos están sobre los hombros de la otra en lo que parece una muestra de afecto fraternal. Todos están inocentemente desnudos, aunque la diosa de la izquierda usa un trozo de material diáfano sobre sus caderas, y la mujer de la derecha usa un collar de joyas. El cabello de las tres Gracias está elaborado de manera elaborada y se mantiene en su lugar o se adorna con joyas.

Un trabajo temprano

La pintura, que es un óleo sobre tabla, se pintó entre 1504 y 1505, cuando Rafael tenía poco más de 20 años. Tiene fama de ser el primer estudio que el joven pintor hizo del desnudo femenino tanto de frente como de espalda. La juventud de Rafael se manifiesta en esta pintura. Aunque describe la anatomía de las tres diosas con cuidado y realismo, las pinceladas son un poco toscas y hay una falta de refinamiento en los rostros de las mujeres, por lo demás encantadores y de ojos suaves. La pintura solo tiene indicios de la maestría de Rafael por venir. Esto se puede ver especialmente en la diosa del medio, cuya espalda mira al espectador y cuyo rostro está en un perfil primitivamente representado.

Belleza y desolación

El fondo recuerda al espectador, sospechosamente, el fondo de la Mona Lisa, que fue pintado casi al mismo tiempo. Realizado en el estilo brumoso y sfumato que era popular en ese momento, el fondo de Raphael está lleno de colinas suaves pero de aspecto sombrío, un lago y árboles raquíticos que marchan, en una perspectiva perfectamente dominada, hacia montañas brumosas de color gris tiza. Las mismas Gracias parecen estar de pie en un parche de tierra estéril o despejada, y en primer plano hay algunas malas hierbas de aspecto débil. La pintura es un contraste casi violento con la de Botticelli. Tres gracias, que bailan en medio de la naturaleza colorida y floreciente.


Kehinde Wiley & # 8211 Ensayo de las Tres Gracias

Kehinde Wiley es un artista afroamericano muy conocido por sus vidrieras, pinturas, sonrisa de dientes huecos y estilo extravagante. Wiley nació en 1977 y se crió en Los Ángeles, California. Su padre, de ascendencia nigeriana, y su madre se separaron antes de su nacimiento, lo que llevó a que Wiley fuera criado por su madre afroamericana (Wiley 10). A la edad de 11 años, Wiley asistió a una escuela de arte donde se centró principalmente en autorretratos y visitó los museos del sur de California los fines de semana. En 1999, Wiley fue al Instituto de Arte de San Francisco, donde practicó y se destacó en pintura. Cuando ingresó a la Universidad de Yale, comenzó a enfocarse más en el arte como plataforma política para su maestría.

Al reconocer la ausencia de los negros como un visitante adolescente de los museos, Wiley se inspiró para hacer de los afroamericanos el foco principal de su pintura y sus artes de vidrieras. Wiley detuvo a hombres afroamericanos al azar en las calles de Harlem, con ropa de diario, para que posaran para él. Llevaba libros de historia del arte y les decía a sus modelos que eligieran cualquier pose que quisieran imitar, mezclando la alta cultura, desde pinturas europeas de los siglos XVIII y XIX, con la cultura popular, desde jeans holgados, botas Timberland y pañuelos en la cabeza (Wiley 12). Por ejemplo, su pintura Napoleón al frente del ejército sobre los Alpes características solo eso. Derivados de obras maestras occidentales más antiguas es el fuerte de Wiley.

Wiley se interesó en ampliar su búsqueda de temas después de visitar a su padre en África, lo que lo llevó a comenzar una serie de pinturas conocidas como El escenario mundial. Por ejemplo, El escenario mundial: Francia 1880-1960 exploró países africanos como Marruecos, Gabón, Túnez y las culturas de Camerún, además del efecto del colonialismo francés en estos países. La fecha de 1880-1960 significa la presencia colonial de Francia en África (Wiley 6). La mayoría de las pinturas que Wiley adaptó en el Escenario mundial utilizó obras maestras occidentales del Musée de Louvre en Francia (Wiley 6).

Pintado para la sección de edición de Francia de El escenario mundial serie, Las tres gracias re imagina a Raphael & # 8217s famoso, todas mujeres caucásicas, pintando The Charities como tres hombres africanos. Wiley se desvía más de la pintura al hacer que sus modelos se vistan casualmente a la moda de principios del siglo XX, a diferencia de la pintura de Rafael de todas las mujeres desnudas, e hizo que su modelo sostuviera manzanas verdes en lugar de rojas. El hombre de la camisa blanca mira al espectador mientras sostiene una manzana en una mano y coloca su mano izquierda sobre el caballero a su izquierda. Los dos hombres que lo flanquean miran directamente al espectador con sus caras inclinadas hacia adentro hacia el hombre en el medio, mientras ambos sostienen manzanas verdes.

Wiley escogió manzanas verdes específicamente para ser utilizadas por sus modelos porque el verde y el rojo son colores complementarios opuestos entre sí en la rueda de colores. Wiley usó manzanas verdes para mostrar que la versión anterior de Las tres gracias y la nueva versión se complementan entre sí. Ambas pinturas muestran diferentes aspectos de la vida. Al presentar uno de los muchos mensajes en sus pinturas, el equilibrio de estas dos pinturas presenta un Yin y un Yang entre la cultura occidental y la cultura negra.

El fondo también se convierte en una pieza importante de la pintura. En la mayoría de las obras maestras europeas, el fondo es un espacio plano en blanco para la imagen principal, reconociendo a las personas. Raphael & # 8217s Charities estaba tan desnudo como el fondo (Wiley 12). Wiley, por otro lado, integra estampados y patrones de África Occidental en el fondo y el primer plano de los modelos para mostrar que cada detalle fino se suma y es importante para la pintura.

Wiley comentó sobre su representación de fuerza y ​​poder en sus retratos diciendo: "Los negros siempre han sido personas poderosas [su] proyecto ha consistido simplemente en restaurar el punto de vista del espectador", presentando a los africanos como personas reales y fuertes en un manera que no les fue asignada a lo largo de la historia (Wiley 10). Raphael & # 8217s Charities representaba tres aspectos de la generosidad de dar, recibir y devolver regalos. En la mitología griega se las representa como diosas menores conocidas por su gracia, encanto y belleza. Wiley insertó a tres hombres africanos en los mismos escenarios para mostrar a los negros cómo él los describe como generosos, orgullosos, celestiales e imperiales.

Se podría concluir que la adaptación de Wiley de las tres gracias era mostrar orgullo étnico frente a un campo de trabajo mayoritariamente blanco. Wiley una vez hizo el comentario de que sus obras de arte son autorretratos (Solomon). Esto puede parecer paradójico ya que ninguno de los retratos que ha terminado son de él, pero lo que es él es el color. La representación hace que las personas se sientan completas. Ver a alguien de tu color hacer algo extraordinario puede inspirarte a intentar hacer lo imposible. Eugenie Tsai, curadora de la muestra del Museo de Brooklyn, observa que “[Wiley] us [es] el poder de las imágenes para remediar la invisibilidad histórica de los hombres y mujeres negros”, a lo largo de la historia (Solomon). Al traer a hombres y mujeres afroamericanos al frente de muchas pinturas, está demostrando que las personas de color son una fuerza a tener en cuenta. Ver una falta de representación en la infancia de Wiley le hizo comenzar la obra de arte que produjo para cambiar el paradigma de la historia del arte caucásico.

Las críticas a su trabajo dicen que sus pinturas están sobre-sexualizadas porque comentó que escoge sus modelos basándose en & # 8220 [su] tipo [que] tiene sus raíces en [su] propio deseo sexual ”, aunque escoge razones culturales. también (Davis). El hecho de que sea un hombre afroamericano gay que se centra principalmente en los hombres morenos, en algunas personas, cambia la opinión y el significado de su trabajo. La atracción es parte del trabajo cuando trabajas con personas, Wiley no deja que eso se interponga en la realización de obras de arte notables.

Los críticos también han sentido que su trabajo es demasiado formulista (Daivis). Sienten que es lo mismo una y otra vez: fondo floral, obra maestra del arte occidental y gente negra. Sin embargo, a los 39 años, a pesar de que Wiley no ha vivido lo suficiente como para tener una evolución en sus pinturas, los críticos todavía piensan que debería cambiarlo.

En general, siempre habrá personas que no puedan estar contentas con el trabajo realizado, sin importar lo hermosas y culturalmente reveladoras que sean sus piezas. Estas pinturas de personas que detiene en la vida cotidiana simplemente haciendo sus cosas hacen que otras personas negras piensen que también pueden ser poderosas. Que podían ser vistos como personas reales y nobles incluso con ropa de calle. Wiley está dejando un legado al que aspiran los jóvenes artistas negros y también poderosos retratos de personas negras.

Davis, Ben. & # 8220Kehinde Wiley & # 8217s Dilema: Cómo el artista se pintó a sí mismo en un rincón con sus nuevas obras. & # 8221 Blouin Artinfo. Blouin Artinfo, 15 de junio de 2012. Web. 17 de julio de 2016.

Salomón, Deborah. & # 8220Kehinde Wiley le da un giro clásico a sus temas contemporáneos. & # 8221 Los New York Times. The New York Times, 31 de enero de 2015. Web. 17 de julio de 2016.

Wiley, Kehinde. Kehinde Wiley el escenario mundial: Francia 1880-1960 = La Scène Mondiale: La France 1880-1960. París: Galerie Daniel Templon, 2015. Impresión.


Louvre & # 8211 Estatua & # 8211 Las Tres Gracias

Las Gracias u Horas, también llamadas Caridades en ocasiones, eran las compañeras de dioses y héroes, y especialmente favorecidas por Hermes. Fueron representados con frecuencia en la iconografía griega y romana, comenzando con la introducción de divinidades femeninas desnudas.

Aquí, las tres diosas están representadas agarrándose del hombro, en un solo plano, como en un motivo de danza. Pero no bailan al ritmo que sugiere la flexión de la rodilla y la inusual elevación de las caderas es solo la exageración de los motivos de la cadera del período Clásico. Se trata de un nuevo ritmo estático donde el gusto por las formas plenas y femeninas ha sustituido al estudio casi exclusivo del desnudo atlético durante el siglo V.

Uno puede imaginarse a estas figuras asistiendo a una escena en el monte Olimpo. El origen de este motivo parece encontrarse en la pintura, lo que explica la representación lineal de las tres esculturas en un solo plano. A partir de aquí, el motivo, muy dentro del gusto del período helenístico, fue luego aislado y reproducido en tres dimensiones.

En el mundo helenístico, el papel de las diosas era de hecho casi exclusivo asistir a los momentos agradables de la vida de dioses y hombres, durante los cuales su presencia benéfica garantizaba una autenticidad y una calidad más duradera.


Mujeres bonitas: la belleza femenina y las tres gracias en las pinturas

Las pinturas que representan las tres Gracias están presentes a lo largo de toda la historia del arte. Aunque los personajes son los mismos, las representaciones cambiar mucho tiempo extraordinario. Nuestra historia comienza con la mitología griega y viaja a través del tiempo con las tres mujeres que personificaron el ideal de la belleza femenina para varios artistas a lo largo de los siglos.

Todo el mundo sabe que Afrodita (conocida como Venus para los romanos) es la diosa del amor y la belleza. Además de ser adorada en templos del mundo antiguo, la diosa irresistible también fue representada por artistas de todos los tiempos.

Pero también había otras diosas del amor conocidas como las Caritas o las Gracias. Eran tres niñas que, según el poeta Hesíodo, eran hijas de Zeus y Eurinome, una ninfa marina con la que el dios del Olimpo tuvo un breve romance.

Las tres Gracias se llamaban Aglaia, Euphrosyne y Thalya, y siempre estaban juntas. Además del amor y la belleza, las diosas también estaban asociadas con la buena voluntad, la naturaleza, la creatividad, la fertilidad, el encanto, el esplendor y la alegría, en otras palabras, las gracias.

Danza de tres gracias, suelo de mosaico, ca. 3ro siglo, Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Nápoles, Italia. Wikimedia Commons.

En algunos mitos aparecen en la cima del Olimpo, cantando y bailando con las Musas y Apolo en otros, siempre están en compañía de Afrodita. Por cierto, cuando nació Afrodita, de la espuma del mar, fueron las tres Gracias las que la recibieron y la cuidaron. Cuando Afrodita quiso seducir a Anquises, el único mortal con el que tuvo un hijo, fueron nuevamente las tres Gracias las que la vistieron y perfumaron para la cita. E incluso cuando la diosa fue sorprendida engañando a Hefesto con Ares, y vista por todos los dioses, una vez más las Gracias estaban allí, para vestirla y consolarla.

Nicolas Vleughels, Venus y las tres gracias cuidando a Cupido1725, colección privada. Wikimedia Commons.

A pesar de que, en los mitos, las tres Gracias siempre han aparecido como ayudantes de la diosa, en el arte se han convertido en protagonistas de innumerables obras, desde la antigüedad hasta nuestros días. Y con ello, sirvieron para representar no solo a los personajes mitológicos sino también el ideal de belleza femenina de cada época y para cada artista.

Las primeras representaciones de las tres Gracias aparecieron en mosaicos y esculturas en templos antiguos. Luego, durante el Renacimiento, las diosas, así como otras figuras mitológicas, se convirtieron en un tema recurrente en la pintura.

Rafael Las tres gracias, 1504-5, Museo Condé, Chantilly, Francia.

Representar a las mujeres como personajes mitológicos era la única forma oficial de representar el cuerpo femenino desnudo; de lo contrario, sería demasiado impactante para el espectador común. En la pintura de Rafael, claramente basada en esculturas antiguas, se hace hincapié en la palidez y la mirada indiferente de las niñas. Aunque sus cuerpos son maduros, los órganos sexuales se muestran sutilmente y los senos no están expuestos.

Lucas Cranach el Viejo, Las tres gracias, 1531, Louvre, París, Francia.

Lucas Cranach, como Raphel, retrató a las tres Gracias completamente desnudas, pero en su obra, las diosas no tienen atributos simbólicos, como la manzana o las flores. En cambio, tienen accesorios (un sombrero y collares). Solo una de las niñas se apoya en su hermana, a diferencia de otros cuadros en los que siempre se toman de la mano.

Las tres gracias de Raphael y Cranach tienen algo en común: sus cuerpos se parecen a los cuerpos de los adolescentes. El ideal de belleza parece residir precisamente en la juventud de las modelos.

Peter Paul Rubens, Las tres gracias 1630-5, Museo del Prado, Madrid, España.

Un poco diferente de la representación de Rafael es la del pintor Rubens, que optó por Graces más maduros, con cuerpos no tan firmes y formas más opulentas. Además, observe cómo sus miradas se cruzan, tal vez sugiriendo un poco más de intimidad.

La composición, sin embargo, es prácticamente la misma. Dos de las niñas se ven de frente, mientras que la otra se representa de espaldas.

Alessandro Varotari (Il Padovanino), Las tres gracias c.1620-1640, colección privada. Wikimedia Commons.

Alessandro Varotari (Il Padovanino) altera esta composición, colocando dos de las diosas & # 8217 mirando hacia adelante, mientras que la tercera le da la espalda al observador. Aunque desnudas, las niñas llevan velo, elemento que se repite en otras Tres gracias pinturas.

Aproximadamente dos siglos después, cuando comenzaron a revisarse los temas mitológicos, Las tres gracias se siguieron creando pinturas. La iconografía, sin embargo, cambió, ya que ya no mostraba cuerpos realistas o anatómicamente perfectos, como en la pintura de Rafael & # 8217, la atmósfera no era ni idílica ni romántica, como en Varotari & # 8217s.

Koloman Moser, por ejemplo, reveló solo el costado del cuerpo de cada una de sus Tres Gracias, las pieles de tono ocre y venas rojas. La composición, que es simbolista, no presenta un jardín o campo como antes.

Koloman Moser, Las tres gracias, fecha desconocida, colección privada. Bellas Artes de América.

En la pintura de Moser & # 8217, no solo cambió la estructura de la composición, sino también la técnica y, sobre todo, el ideal de belleza femenina.

Y hablando de cambios en la representación, Lawrence Alma-Tadema crea su versión de Las tres gracias haciendo uso de un complejo conjunto de símbolos.

Sir Lawrence Alma-Tadema, Las tres gracias, 1876, colección privada. Sotheby & # 8217s.

Además de representar las tres figuras en el centro, el pintor mostró las otras gracias en las esquinas de la obra (en la parte superior izquierda, por ejemplo, Ley, Pedido, y Autoridad). Como en los cuadros anteriores, las mujeres son muy cercanas, pero Alma-Tadema solo retrató sus rostros.

A principios del siglo XX, cuando las vanguardias europeas estaban en su apogeo, el pintor Robert Delaunay colocó Las tres gracias en la Villa de Paris. Aunque Delaunay fragmenta a los personajes, todavía es posible ver claramente que sigue la misma estructura compositiva que Raphael.

Robert Delaunay, La Ville de Paris, 1912, Musée d & # 8217 Art Moderne de la Ville de Paris, París, Francia.

Las tres gracias son una hermosa inspiración de gran parte de lo que es ser mujer. Aunque los personajes son los mismos, las representaciones a lo largo del tiempo han cambiado mucho. A veces delgadas y con cuerpos de niños & # 8217s, a veces más maduras, desnudas o vestidas, cabello largo o corto & # 8230 Estas pinturas demuestran que la idea de la belleza es dinámica y cambia todo el tiempo. Y ahí es donde radica la paradoja: el ideal de la belleza femenina no es uno ideal. Cada mujer tiene una particularidad que la hace más bella. Y esa es la verdadera Gracia de ser mujer.


Las Tres Gracias, Louvre - Historia

El Museo del Louvre V
Artículo escrito por Rick Archer, mayo de 2007


029. Las tres gracias - ¡Un misterio!

Nota de Rick Archer: Bueno, pensé que eran las Tres Gracias, pero no puedo encontrar ninguna evidencia que corrobore que esta escultura sea parte del Louvre. He visto imágenes de al menos cuatro esculturas diferentes de las 'Tres Gracias', ninguna de las cuales incluía esta imagen de arriba.

Julio de 2010 ¡Misterio resuelto!

Anna Anderson: este es el trabajo de James Pradier, escultor suizo, 1790-1852. Creó Las Tres Gracias en 1831. De hecho, reside en el Louvre.


030. La muerte de Sardanapal, Eugene Delacroix, 1827

Eugene Delacroix se cuenta entre los más grandes e influyentes pintores franceses. A menudo se le clasifica como un artista de la escuela romántica. Su notable uso del color influiría más tarde en los pintores impresionistas e incluso en artistas modernos como Pablo Picasso.

Delacroix nació el 26 de abril de 1798 en Charenton-St-Maurice, Francia. En 1815 se convierte en alumno del pintor francés Pierre-Narcisse Guerin y comienza una carrera que producirá más de 850 pinturas y un gran número de dibujos, murales y otras obras. En 1822 Delacroix presentó su primera imagen a la importante exposición del Salón de París: Dante y Virgilio en el infierno. Una técnica utilizada en este trabajo - muchos colores sin mezclar que forman lo que a la distancia parece un todo unificado - luego sería utilizada por los impresionistas. Su siguiente entrada en el Salón fue en 1824: Masacre en Chios. Con gran intensidad de color y fuerte emoción, describió un incidente en el que 20.000 griegos fueron asesinados por turcos en la isla de Quíos. El gobierno francés lo compró por 6.000 francos.

Impresionado por las técnicas de pintores ingleses como John Constable, Delacroix visitó Inglaterra en 1825. Sus recorridos por las galerías, visitas al teatro y observaciones de la cultura inglesa en general le dejaron una impresión duradera.

Entre 1827 y 1832, Delacroix pareció producir una obra maestra tras otra. Volvió a utilizar temas históricos en La batalla de Nancy y La batalla de Poitiers. La poesía de Lord Byron inspiró una pintura para el Salón de 1827, Muerte de Sardanapalus.

(Nota: la pintura más famosa de Delacroix, Liberty Guiding the People, está en la página siguiente).


031. ¿Alguien sabe el nombre de la pintura de arriba?


032. Abraham y Melquisedec, Peter Paul Rubens (1577-1640). Mus e des Beaux-Arts de Caen, Francia. (Título aportado por Olga Milner. Tenga en cuenta que esta imagen no está en el Louvre).


033: Tríptico de Jan Floreins (panel central), artista Hans Memling, 1479


Título aportado por Anna Anderson, julio de 2010, con esta nota:

Por lo que tengo entendido, esta imagen no es parte del Louvre. Se dice que reside en Memlingmuseum, Sint-Janshospitaal, Brujas

¿Quizás tu foto sea una copia de esto? Los colores son más brillantes, pero claramente es el mismo trabajo. Es un comienzo.


034. Les deux soeurs, 1843, Th odore C hasseriau (Título aportado por Olga Milner)


035. El prestamista y su esposa (1514) Quentin Metsys (título aportado por Rebecca)

Título confirmado el Museo Louvre sitio web


Arte objetivo

El nueve Musas son las diosas griegas de la inspiración, el aprendizaje, las artes y la cultura. Según la Teogonía de Hesíodo, Zeus se acostó con Mnemosyne ("Memoria") durante nueve días y ella dio a luz a las Musas. Se decía que estas diosas residían en el monte Parnaso en Grecia central, sin embargo, algunas fuentes afirman que el monte Helicón en Beocia merece ese honor. Su líder es Apolo, el dios de la música y la armonía. Sus compañeros frecuentes son las Tres Gracias y el Deseo.

The ancient Greeks believed that all learning was under the patronage of the Muses, and that they were the inspirers of poetry, music, and art. It was common for schools to have a shrine dedicated to the Muses, and any place dedicated to them was known as a "mouseion," -- the source of our word "museum." Plato and the Pythagoreans explicitly considered philosophy to be a sub-set of " m ousik ." The historian Herodotus, whose primary medium of delivery was public recitation, named each one of the nine books of his Historias after a different Muse.

When Plato founded his Academy at Athens, he dedicated a shrine to these goddesses of learning. Subsequently, Aristotle founded a school in Athens called the Peripatos. His school also possessed a shrine which contained statues of the Muses. The famous Museum at Alexandria, founded by King Ptolemy I, was a temple of learning dedicated to the Muses. Before poets and storytellers would recite their work, it was customary for them to first invoke the inspiration and protection of the Muses.


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